Francisco Toledo, el maestro inmortal
Subtítulo Hoy viernes 15 de mayo se celebra el Día del Maestro. Por este motivo, queremos rendir homenaje a Francisco Toledo. Prolífico creador, siempre coherente con su obra y su activismo en favor del arte, del medio ambiente y raíces de México.

Prolífico creador, siempre coherente con su obra y su activismo en favor del arte, del medio ambiente, comprometido con los humildes y la defensa de las raíces de México.

 

 

 

 

 

 

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Casa Lomas #ventana #placa #torreon

Una publicación compartida por Francisco Toledo (@francisco_toledo_arquitectura) el 6 de Sep de 2019 a las 8:40 PDT

Francisco Toledo fue ceramista, escultor, impresor e impulsor de la cultura oaxaqueña en el mundo. Un verdadero talento universal que falleció a los 79 años. Nació en Juchitán en 1940, pero hizo de Oaxaca un lugar de peregrinación de amantes del arte y residencia de grandes talentos y estudiantes. Compartió con los muralistas de la edad dorada del arte mexicano su afán didáctico y de difusor del arte y la ideas. Promotor y divulgador del arte, entendió su vida como una misión, una tarea de crear y servir a la sociedad, siempre con generosidad.

En su obra iconoclasta muestra insolencia, humor, erotismo y transgresión. Fue capaz de llevar el mundo indígena a lo universal. El autorretrato forma parte de su obra. Sus formas de verse fueron la inspiración para un mundo que cambia. Pero también sus musas fueron animales poco habituales, como escorpiones, murciélagos, iguanas, sapos y tortugas. Entendió el arte como una herramienta para luchar por los derechos humanos y los derechos de los pueblos.

 

 

 

 

 

 

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Avandaro Ruta del Bosque

Una publicación compartida por Francisco Toledo (@francisco_toledo_arquitectura) el 5 de Sep de 2018 a las 7:32 PDT

Fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, desde donde impulsó a una generación, y el Centro de Arte de San Agustín, conocido como CASA, el primer centro de las artes ecológico de Latinoamérica. Comprometido con la formación, creación y experimentación artística, en el magnífico espacio conviven pintura, diseño textil, artes visuales y escultura. Un taller para artistas y nuevos talentos. Además, fundó el Taller Arte Papel Oaxaca, Ediciones Toledo e impulsó la Biblioteca para Invidentes Jorge Luis Borges, el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, entre otras instituciones.

Es uno de los artistas plásticos más destacados de la historia de México: “Yo no sé si fue vocación o accidental”, declaró, pues tuvo una infancia dura en Oaxaca. Pasó de vivir sin camisa y descalzo a tener que vestir corbata. Durante su formación criticó que trabajaran con esculturas griegas y que no se fijaran en el entorno de Oaxaca. Después de reprobar todas las materias y sólo pintar, fotografiar y dibujar, sus padres lo mandaron a la Ciudad de México, con 16 años. Como dice Roberto Ponce, Toledo fue defensor de la cultura y del maíz. Vivía su propio caos, entre obras terminadas e inacabadas. “Ando brincando por todos lados”, decía, y ahora le tenemos brincando por la eternidad.

Si sólo hubiera dos sillas para sentar a los mejores fotógrafos del s. XX, sin duda una de ellas sería  para Irving Penn. El gran genio de la imagen que revolucionó la fotografía, lo mismo retrataba una colilla que un cuadro, unos labios rotos de color que a los grandes intelectuales de la época como Truman  Capote, Marcel  Duchamp  o Picasso. Con la misma fuerza y el mismo talento trataba la mirada de un sabio que un objeto sin vida. Sus imágenes cambiaron la historia de Vogue y otras revistas de moda. Siempre rozó el límite de la fotografía con ironía y exceso, ya fueran modelos de muchos kilos o labios con herramientas.

Se celebran los cien años del nacimiento del artista con una exposición antológica en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York que reivindica su figura bajo el título de Centennial. Decía Ivan Shaw, director de fotografía para Vogue, que Penn todo lo hacía bien: el retrato, la moda, los objetos. Pocos fotógrafos son capaces de moverse con tanta facilidad en las alturas. Su blanco y negro no te dejaba indiferente, pero sus imágenes de lifestyle estaban llenas de vida. Sus trabajos publicitarios para firmas como L’Oréal y su tratamiento de la imagen  rompió para siempre la barrera entre lo comercial y la artesanía. Como él decía, retratar un pastel también puede ser arte.

Hijo de emigrantes rusos, la pintura siempre fue su sueño, pero con sus instantáneas creó obras tan inmortales como las que aparecen en los lienzos. Por eso, ahora el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York le rinde un merecido tributo y celebra el centenario del nacimiento del artista. Sus trabajos meticulosos hacían pensar a los críticos que se pasó media vida detrás de la cámara y la otra mitad en el laboratorio o pensando en composiciones.

Cualquier fotógrafo de estudio hoy tiene en Irving Penn la mayor referencia, pues hasta la colilla de un cigarro tras un disparo se convertía en una obra única. Sus primeras imágenes en revistas de moda fueron retratos impecables de alta costura, con una elegancia sorprendente y una luz que cambió la mirada de las publicaciones de estilo. Su capacidad para pasar de los ojos de un pintor a una naturaleza muerta es admirable. La exposición Irving Penn: Centennial repasa como nunca antes todas las disciplinas que dominó el artista, con 70 años de carrera en imágenes de gran impacto en soportes y técnicas como la fotografía, el grabado o la pintura.

La muestra recorre sus diferentes caminos: carteles para la calle, incluyendo ejemplos de trabajos tempranos en Nueva York, el sur de Estados Unidos y México; moda y estilo para varios títulos internaciaonales y con muchas fotografías clásicas de Lisa Fonssagrives-Penn, la ex bailarina que se convirtió en la primera supermodelo, así como en esposa del artista; retratos de indígenas en Cuzco, Perú; pequeños cuadros de trabajadores urbanos; rostros de personajes de la cultura muy queridos, que van desde Truman Capote, Joe Louis, Picasso y Colette a Alvin Ailey, Ingmar Bergman y Joan Didion; retratos de los ciudadanos de Dahomey (Benin), Nueva Guinea y Marruecos vestidos de manera fabulosa; los últimos muertos de Morandi; desnudos voluptuosos; y gloriosos estudios de color sobre las flores.

La belleza en su concepción original. Además, se aprecia cómo el artista va transmitiendo las tendencias culturales de la época, y también su capacidad para hacer retratos comerciales. Su cuerpo de trabajo también muestra el auge de la fotografía en los años 70 y 80, época en que las revistas de moda tienen su esplendor. Pero el mundo sofisticado en el que vive Irving contrasta con sus fondos sencillos. Un rincón, una esquina le servían como gran escenario. De hecho, su lienzo preferido estaba hecho de una vieja cortina de teatro encontrada en París, que había sido pintada suavemente con unas nubes grises y difusas. Este telón de fondo siguió a Penn de estudio en estudio.

Otros puntos destacados de esta magna exposición incluyen imágenes recién desenterradas del fotógrafo desde su tienda de campaña en Marruecos, algo inédito que descubre al artista lejos del glamur, como por ejemplo lo que realizó en México o en Cuzco, con retratos sobrecogedores.

Así, las formas, los rostros, las sombras, las miradas y la rebeldía hacen inmortal la obra de Irving Penn. Impactos provocativos, como desnudos voluptuosos o detalles sutiles, cuando en su foto de moda retrata a la modelo descalza, cansada ya de tanta sesión fotográfica. Elegancia y rotundidad, provocación y belleza, dos registros que sólo un genio como él puede llevar a la máxima expresión.