Artista invitado es un diálogo de Karl Lagerfeld con Silvia Venturini como propuesta para su colección de hombre para el invierno 19/20. Es un homenaje a una vida juntos, de mentoría, de colaboración y complicidad, como pocas en la historia de la moda. Ambos vivieron todas las etapas de la historia reciente de la marca.
Sin duda, una colección única, que acabó siendo póstuma, un testamento de estilo, de amistad, de afecto y talento. Una visión artística singular y una colaboración exclusiva. Más de cinco décadas de estilo con la presencia potente de la estética de Lagerfeld moldeando las joyas de ropa Fendi, que ha sido y es referencia de elegancias. Esta vez, después de tan larga y magistral labor como codiseñador de la marca, Lagerfeld es protagonista, y ha tenido a su lado una mano amiga, sabia y talentosa, la directora creativa para hombre, Silvia Venturini Fendi.
La firma de Lagerfeld y su sello están en cada pieza de la colección con colores negros, neutros y brillos metálicos, que hablan de elegancia y sofisticación. Hay guiños del creador, como el Trompe L’oeil, cremalleras en las mangas, tejidos de punto, organza y seda, frente a pieles y cuero, logos ilustrados, letras a mano… un mundo de contrastes.
“La dualidad está en el ADN de Fendi”, declara Silvia Venturini. La colección vive el diálogo de dos personalidades fuertes, emblemáticas en el mundo de la moda, Silvia y Karl Lagerfeld. Una relación creativa que ha durado toda una vida, y ahora se plasma como maravillosa antología donde la relación misma entre ambos creadores es la protagonista.
Vemos el mundo del boceto con notas escritas a mano. Se unen París y Roma: un estudio parisino con una biblioteca romana monumental. En el universo de Lagerfeld cabe todo, el futurismo y el clasicismo. Negros, marrón y beige, elementos elegantes que juegan con el rojo y el azul eléctrico; la transparencia regala ligereza y juega con volúmenes y materiales aplicados con creatividad. Organza en el esmoquin y fantasía en los cierres, así como el juego de piel y punto. El elemento del brillo, además, aparece en plata y oro. Los logotipos son futuristas y con poderosa presencia caligráfica, el universo de Lagerfeld es infinito, y de la mano de Venturini tiene una elegancia singular.
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El zapato se sube a los tacones y la baguette mítica de Fendi ya es para ellos. En esta colección se cruzan los armarios femenino y masculino, con intercambio de tejidos y de complementos.
Desde la llegada de Lagerfeld a Fendi, la firma italiana se reinterpretó. Las bolsas son de una elegancia majestuosa, en tamaño grande y en pequeño formato. Los zapatos con colores contrastantes como rojo y amarillo subrayan un mundo nuevo y la paleta de colores es una genialidad propia de una obra plástica. Si vemos la colección en conjunto nos asombra la armonía, la propuesta madura, universal. Se trata, sin duda, de un testamento de buen gusto.
La unión de Lagerfeld con la firma romana Fendi es uno de los matrimonios más longevos de la moda. Cincuenta años de pasión que ya son inmortales, un torrente de creatividad que ha atravesado épocas apasionantes de la moda. Los radicales años setenta marcaron un estilo, al que siguió la locura de los ochenta, donde la fantasía llenó los armarios y el glamour empezaba a conquistar el mundo, desde Nueva York hasta Japón. Los noventa vivieron el auge de las top models y la llegada de grandes diseñadores, pero ahí seguían dando lecciones de estilo y elegancia a la familia Fendi, con un genio que crecía cada año.
Cada colección de Karl Lagerfeld hizo compatible esta unión sagrada con su compromiso con Chanel y su propia firma. El talento creativo de Lagerfeld, eternamente recordado, no dejó de asombrar a la familia de la moda, con ocho colecciones al año, incluso de alta costura. “Fendi es mi versión italiana, Chanel mi versión francesa”, decía. Lagerfeld estaba orgulloso de esta larga relación.
Lagerfeld revivió con su talento la casa Chanel, pero igual sucedió con la alta costura y los talleres artesanos de París, pues terminó por impulsar la alta moda. Con Fendi elevó el complemento a joya, y bajo la dirección de las cinco hermanas, Fendi y Lagerfeld acapararon todas las miradas de la moda. Aportaron innovación, con oro, pieles, diseño, humor, y eso mismo fue lo que les llevó a abrir mercados tan complicados como China. Y se convirtieron en un símbolo de elegancia creativa. Silvia Venturini reconoce que Lagerfeld es el hombre de su vida. Su último desfile, con Karl como inspiración y como colaborador, hicieron historia.
La moda masculina siempre tuvo un singular atractivo para Karl. Pocas veces se le vio vestido de sport, pero seguía atento a las creaciones de otros diseñadores. Era habitual verlo en los desfiles de Dior hombre y amó la ropa de Hedi Slimane. Incluso confesó que había adelgazado para poder entrar en uno de sus trajes estrechos que tanto revolucionaron la moda hombre. Por todo eso, el último desfile de Fendi para hombre es un tributo, un sabio homenaje que ha resultado ser una obra maestra gracias a la inspiración, Lagerfeld, y el creador, el mismo genio. La sabiduría de una de las colaboraciones más fructíferas y admirables de la moda. Una obra maestra.
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Si sólo hubiera dos sillas para sentar a los mejores fotógrafos del s. XX, sin duda una de ellas sería para Irving Penn. El gran genio de la imagen que revolucionó la fotografía, lo mismo retrataba una colilla que un cuadro, unos labios rotos de color que a los grandes intelectuales de la época como Truman Capote, Marcel Duchamp o Picasso. Con la misma fuerza y el mismo talento trataba la mirada de un sabio que un objeto sin vida. Sus imágenes cambiaron la historia de Vogue y otras revistas de moda. Siempre rozó el límite de la fotografía con ironía y exceso, ya fueran modelos de muchos kilos o labios con herramientas.
Se celebran los cien años del nacimiento del artista con una exposición antológica en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York que reivindica su figura bajo el título de Centennial. Decía Ivan Shaw, director de fotografía para Vogue, que Penn todo lo hacía bien: el retrato, la moda, los objetos. Pocos fotógrafos son capaces de moverse con tanta facilidad en las alturas. Su blanco y negro no te dejaba indiferente, pero sus imágenes de lifestyle estaban llenas de vida. Sus trabajos publicitarios para firmas como L’Oréal y su tratamiento de la imagen rompió para siempre la barrera entre lo comercial y la artesanía. Como él decía, retratar un pastel también puede ser arte.
Hijo de emigrantes rusos, la pintura siempre fue su sueño, pero con sus instantáneas creó obras tan inmortales como las que aparecen en los lienzos. Por eso, ahora el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York le rinde un merecido tributo y celebra el centenario del nacimiento del artista. Sus trabajos meticulosos hacían pensar a los críticos que se pasó media vida detrás de la cámara y la otra mitad en el laboratorio o pensando en composiciones.
Cualquier fotógrafo de estudio hoy tiene en Irving Penn la mayor referencia, pues hasta la colilla de un cigarro tras un disparo se convertía en una obra única. Sus primeras imágenes en revistas de moda fueron retratos impecables de alta costura, con una elegancia sorprendente y una luz que cambió la mirada de las publicaciones de estilo. Su capacidad para pasar de los ojos de un pintor a una naturaleza muerta es admirable. La exposición Irving Penn: Centennial repasa como nunca antes todas las disciplinas que dominó el artista, con 70 años de carrera en imágenes de gran impacto en soportes y técnicas como la fotografía, el grabado o la pintura.
La muestra recorre sus diferentes caminos: carteles para la calle, incluyendo ejemplos de trabajos tempranos en Nueva York, el sur de Estados Unidos y México; moda y estilo para varios títulos internaciaonales y con muchas fotografías clásicas de Lisa Fonssagrives-Penn, la ex bailarina que se convirtió en la primera supermodelo, así como en esposa del artista; retratos de indígenas en Cuzco, Perú; pequeños cuadros de trabajadores urbanos; rostros de personajes de la cultura muy queridos, que van desde Truman Capote, Joe Louis, Picasso y Colette a Alvin Ailey, Ingmar Bergman y Joan Didion; retratos de los ciudadanos de Dahomey (Benin), Nueva Guinea y Marruecos vestidos de manera fabulosa; los últimos muertos de Morandi; desnudos voluptuosos; y gloriosos estudios de color sobre las flores.
La belleza en su concepción original. Además, se aprecia cómo el artista va transmitiendo las tendencias culturales de la época, y también su capacidad para hacer retratos comerciales. Su cuerpo de trabajo también muestra el auge de la fotografía en los años 70 y 80, época en que las revistas de moda tienen su esplendor. Pero el mundo sofisticado en el que vive Irving contrasta con sus fondos sencillos. Un rincón, una esquina le servían como gran escenario. De hecho, su lienzo preferido estaba hecho de una vieja cortina de teatro encontrada en París, que había sido pintada suavemente con unas nubes grises y difusas. Este telón de fondo siguió a Penn de estudio en estudio.
Otros puntos destacados de esta magna exposición incluyen imágenes recién desenterradas del fotógrafo desde su tienda de campaña en Marruecos, algo inédito que descubre al artista lejos del glamur, como por ejemplo lo que realizó en México o en Cuzco, con retratos sobrecogedores.
Así, las formas, los rostros, las sombras, las miradas y la rebeldía hacen inmortal la obra de Irving Penn. Impactos provocativos, como desnudos voluptuosos o detalles sutiles, cuando en su foto de moda retrata a la modelo descalza, cansada ya de tanta sesión fotográfica. Elegancia y rotundidad, provocación y belleza, dos registros que sólo un genio como él puede llevar a la máxima expresión.
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